No es fácil hacer serializar un cómic de Darth Vader, uno de los villanos más importantes de la historia de la cultura pop y sin duda, santo y seña de la marca Star Wars. Pero desde luego todavía es más difícil marcarse un producto tan redondo como el que nos han servido el guionista Charles Soule y el dibujante Giuseppe Camuncoli. La serie Darth Vader: Lord Oscuro llega a España recopilada en tomo de tapa dura de la mano de Planeta Cómic y sí, esta si es la serie que andabas buscando.

Tras la primera serie sobre Vader publicada bajo el abrigo de la era post Lucas, a Charles Soule se le encomendó la tarea de crear una segunda serie para seguir rellenando huecos, reforzar el inicio del camino de este legendario sith y apuntalar la pléyade de personajes que han ido apareciendo en otros productos, como los inquisidores de la serie de animación Rebels. Lejos de amilanarse, el guionista de Milwaukee da un auténtico golpe en la mesa para crear la que posiblemente sea la mejor serie de cómics del nuevo universo expandido. Podríamos darle gran parte del mérito a Soule pero lo mismo podríamos decir a la inversa de Camuncoli en los lápices, y es que el artista italiano a conseguir elevar la presencia y alma del implacable Darth Vader con un dibujo muy cuidado y aportando expresividad a la máscara del señor oscuro, con sutiles trazos con los que mostrar un grado de enfado o antipatía menor o mayor según lo requiera la historia. Este volumen nos deja además varias splash pages de una factura visual imponente.

Tanto monta, monta tanto. Charles Soule nos ha ofrecido una historia recogida en 25 grapas y de la que aquí tenemos una primera entrega donde se recopilan los números 1 a 6 de la colección y en los que vamos a asistir a la vida de Vader desde el mismo momento que se alza de la camilla junto a Palpatine al final del episodio III, La Venganza de los Sith. 

Hay veces que se critica (con justicia) la falta de valentía en las series de cómics de Star Wars, en parte por no sulfurar a los fans, y en parte por no pisar a otros productos que puedan estar por venir. Pero Darth Vader: Lord oscuro juega con la ventaja de enmarcase entre los episodios III y IV y por lo tanto, hay una red de seguridad en cuanto a lore y material escrito sobre los que apoyarse. Pero esa ventaja hay que saber aprovecharla y Soule se mueve como pez en el agua en este nuevo canon. Prueba de ello va a ser mostrarnos como Vader tiene que hacerse con un sable de luz nuevo y para ello la primera tarea consistiría en arrebatarle a un jedi su cristal kyber.

El elegido será el maestro Infil’A, un jedi retirado por voluntad propia, poderoso en la Fuerza y un auténtico reto ante el inestable Vader. El diseño de este personaje me ha recordado en parte al lejano Joruus C’baoth del cómic Herederos del imperio, o más aún al general Rahm Kota, del videojuego El Poder de la Fuerza. En ambos casos se sigue el patrón de un hombre de edad avanzada y pelo canoso per con una fuerte determinación sobre sus convicciones.

En estos números conoceremos de manera más pormenorizada como se empezó a desarrollar la purga jedi y como Vader lidera al grupo de Inquisidores, los temibles cazadores de jedis de Palpatine que sin ir más lejos, veremos en el próximo videojuego Jedi Fallen Order. Darth Vader: Lord Oscuro brilla con más fuerza que un cristal kyber para convertirse en una de las grandes series del Universo Expandido de Star Wars. Una imprescindible para cualquier fan.


Reseña: Star Wars Darth Vader Lord Oscuro HC (tomo) nº 01/04 (Charles Soule)



Desde que vi las primeras imágenes del planeta Crait en la película de Los Últimos Jedi caí rendido a su encanto. Un paraje inhóspito pero con una fuerza visual tremenda causada por la sal roja manada del suelo cada vez que se escarba la superficie blanca del planeta.
Crait fue el lugar que la Resistencia escogió como su último bastión de defensa ante la Primera Orden mientras esperaban el auxilio de la galaxia ante la llamada de socorro de Leia. Pero una de las cosas que me llamó la atención fue la referencia que hicieron a su pasado de base rebelde abandonada y sus instalaciones mineras. Por ello al conocer que Las tormentas de Crait era el volumen que traía Planeta Cómic en una edición rústica de 64 páginas, desee hincarle el diente para conocer más detalles de su historia.
Con guión de Ben Blacker y Ben Acker y dibujo de Mike Mayhew, este cómic nos cuenta una breve aventura del Big Three (Luke, Leia y Han) enmarcada tras los acontecimientos del episodio IV. Leia busca una nueva base para establecer el núcleo de la Rebelión, y uno de los planetas manejados como posible destino es Crait. Allí un antiguo contacto de su padre Bail, llamado Trusk Berinato, puede proporcionarles la seguridad de fijar un nuevo centro de operaciones desde el cual plantar cara a la amenaza del malvado Imperio Galáctico.
En Las Tormentas de Crait veremos a un Luke Skywalker todavía inexperto en la Fuerza, quien muestra más arrojo que habilidad con el sable de luz. También tendremos una dosis de los divertidos altibajos entre Han y Leia en la relación que entre ellos comienza a forjarse, a la vez que descubrimos al interesante Trusk Berinato, de la especie Q’itano, quien destaca tanto por su personalidad como por su diseño de piel violácea y ojos vidriosos muy perturbadores. No faltará la dosis de acción con la pimienta que pondrá el siempre temible Escuadrón Cicatriz del Imperio.
El dibujo fotorrealista de Mayhew en los personajes gana empaque con cada página que pasamos y deja alguna viñeta espectacular con primeros planos del joven Luke usando el sable de luz. En cuanto al guión, Blacker y Acker condensan en apenas 30 páginas una breve historia auto conclusiva que nos cuenta detalles interesantes sobre el pasado de Crait pero que se antojan escasos ante la posibilidad de lo que se deja entrever en los geniales diálogos donde Leia brilla con luz propia.
Pero si se os dan bien las matemáticas veréis que quedaría la otra mitad del volumen por rellenar y esto es porque Planeta incluye la historia DJ: el más buscado, y sí, de nuevo vuelve la conexión con Los Últimos Jedi al traer a la palestra una historia corta en la que conoceremos mejor al misterioso descifrador DJ, interpretado por Benicio Del Toro en la gran pantalla. En esta historia guionizada de nuevo por Ben Blacker y Ben Acker, sabremos que le ocurre a DJ en las horas previas a la llegada de Finn y Rose al planeta Canto Bight.
Este ladino personaje mostrará sus habilidades como pirata informático y descifrador de códigos, artes por las que es vigilado por la propia policía local, peligrosos delincuentes y los turbios dueños de los casinos a los que va desvalijando. Me gusta como el cómic indaga en los bajos fondos y la “fauna” local de este lugar, sacando nuevos personajes y creando en pocas páginas una historia muy coherente y que hila bien con el episodio VIII y la aparición de DJ en la celda. Los lápices en esta ocasión pertenecen al dibujante Kevin Walker quien a pesar de su toque mucho más cartoon, ha respetado el diseño de DJ para reconocer en todo momento al propio Del Toro.
En definitiva podemos decir que Las Tormentas de Crait es un buen producto del nuevo canon que únicamente se ve lastrado por la imposibilidad de ahondar mucho en todo lo que pueda tener algún impacto con la trilogía de secuelas, algo que espero que una vez estrenada la cinta de JJ Abrams este mismo mes de diciembre, sirva como pistoletazo de salida para productos transmedia mucho más ambiciosos en lo que a lore galáctico atañe.


Reseña: Star Wars Las Tormentas de Crait (Ben Acker)



Mi madre siempre me dice que, para ella, cocinar es terapéutico: si tiene un mal día, enciende los fogones y entre receta y receta va maridando sus problemas con el calor que proporciona el paso del tiempo. Al principio no lo entendía, pero con el paso del tiempo uno comienza a intuir cuál es la magia de la cocina y qué poderes tiene sobre la psique de aquellos que practican el noble arte de crear deliciosos platos para su familia. Algo parecido les ocurre a los protagonistas del manga que hoy nos ocupa: la comida no es un simple acto de crear para consumir, sino de sublimación. Una manera de evadir y concretar los problemas: una combinación de ingredientes que, a la postre, hace de la vida un lugar mejor.

Sweetnes & Lightning, el (permítanme decirlo, que sino reviento) delicioso manga que ha editado Planeta Cómic, nos presenta a un trío protagonista que funciona a las mil maravillas: por un lado, la dupla formada por Kôhei Inuzuka y Tsumugi Inuzuka, padre e hija respectivamente. Kôhei es padre soltero tras la muerte de su esposa y trata de criar lo mejor posible a Tsumugi, pero combinar su trabajo de profesor con la hiperactividad de esta y su incapacidad para cocinar están haciendo que ambos pasen los días salivando ante cualquier anuncio que aparezca en la televisión. Por su parte, el último vértice de este triangulo es Kotori Iida, alumna del mismo instituto donde imparte Kôhei e hija de una famosa chef. Kotori suele pasar largos espacios de tiempo sola, pues su madre suele estar muy atareada con el trabajo y la suele dejar sola, durante las noches. La fortuna intercede para que los tres se encuentren una noche a solas en el semiabandonado restaurante de Kotori y, a partir de ahí, comienza a tejerse una divertida y tierna relación entre los tres.

No os llevéis a engaño, no es bien bien una comedia romántica entre profesor y alumna, sino más bien un slice of life en el que la gastronomía tiene mucho que decir: en cada capítulo vamos a ser testigos como los tres siguen recetas que, normalmente, deja dictadas la madre de Kotori. Todos ellos, huelga decir, con sus limitaciones y fobias particulares que hacen de la preparación de los platos un momento tremendamente cómico. La comida es, pues, el eje central de esta relación: la gastronomía, de una manera u otra, acaba solucionando los problemas que cada uno de ellos haya tenido durante ese día.

Sí, la premisa es sencilla, pero es tan simple como efectiva. Si a ello le sumamos tres personajes divertidos y entrañables, tenemos una combinación perfecto. Aunque cabe destacar a Tsumugi: tanto la manera cómo la han dibujado, su expresividad y sus acciones hacen de ella un auténtico imán y un punto muy a favor de este manga. Su ritmo pausado, centrado en la vida diaria de los personajes, puede echar atrás algunos, pero os aseguro que las dosis de humor que contiene y la química entre los tres protagonistas hacen que la obra crezca en valor e interés.

Si buscáis un manga dulce, tierno, optimista, divertido, con personajes entrañables, recetas culinarias apetitosas a más no poder y una buena dosis de alegría, Sweetnes & Lightning es sin duda vuestra obra: yo, si me lo permiten, voy a ponerme las botas con él.



Reseña: Sweetness & Lightning nº 01/12 (Gido Amagakure)



El manga yuri no ha tenido todavía demasiada repercusión ni incidencia en el mercado español: se trata de un género centrado en relaciones amorosas entre dos chicas o mujeres. Todavía no ha calado, decía, pero por suerte Planeta Cómic ha comenzado, desde hace unos meses, a publicar toda una serie de mangas adscritos dentro de este género: desde los más centrados en las relaciones y las descripciones psicológicas de sus protagonistas hasta algunas algo más decantados en el erotismo (pero que nadie se eche las manos a la cabeza, que no son para tanto). El caso que hoy nos ocupa está más próximo a lo primero: Bloom Into You es un retrato frío de dos adolescentes que empiezan a gustarse. Sin erotismo ni retratos sexualizados: simple atracción amorosa.

En los extremos de esta relación está, por un lado, Yû, una joven que desconoce qué es el amor y que jamás ha tenido ninguna relación ni con el sexo opuesto ni con el mismo. Simplemente, y según ella misma cuenta, jamás se ha sentido atraída por nadie. Por el otro lado, tenemos a Nanami, famosa en su instituto por haber rechazado todas las propuestas que decenas de chicos le han realizado para salir con ellos. Como Yû, no se ha sentido atraída por ninguno de ellos... tampoco por mujeres. Algo cambia cuando ambas se conocen y comienzan a descubrir no sólo quién es la persona que tienen enfrente, sino que empiezan a entender quiénes son ellas en realidad. Un despertar al amor y a las relaciones personales, más que a la sexualidad. La propia autor, Nakatani Nio, comenta en el epílogo, que ella está más versada en los mangas de relaciones personales entre mujeres, y que este se su primer yuri: se nota, pues, al menos en su número inicial, hay poco de sensualidad y sí mucho de descripción psicológica.

Y esto, permítanme que lo diga, es todo un acierto: estamos acostumbrados a la sexualización del cuerpo femenino en el manga, y por fortuna aquí no vamos a encontrar eso. Ni juegos eróticos, ni retratos sensuales ni... La propuesta de Nio es ver cómo se desarrollan dos personalidades diferentes que chocan entre sí y que despiertan al amor. Hay un interés mucho más claro por tratar de definir sus personalidades y cómo cada una tiene un cara oculta que trata de esconder ante el mundo que las rodea.

Esto permite que afloren otros temas que, aunque de manera indirecta, enriquecen el universo de este manga. Por un lado tenemos la vida estudiantil: de sobras es conocido que la vida de estudiante en Japón es harto arduo: mucha presión social por alcanzar buenas notas que derivan en una dedicación absoluta a los estudios, así como a complementar la vida académica con mil y una actividades. Mucho de eso hay en Bloom Into You: el primer tomo está centrado en unas elecciones a delegada de clase que comporta dedicación y esmero. Pero también en el retrato escueto que se hace de la anterior vida de Nanami se vislumbra este problema. Por otro lado, la aceptación familiar de la propia sexualidad de Yû parece que aflorará, más pronto que tarde, en los próximos números. También la presión social por encontrar pareja estable y que sea el idóneo...

En fin, no hay dudas de que Bloom into you ha sido una agradable sorpresa para servidor, nada versado en este género: los lectores que se aproximen a la obra de Nio se van a encontrar con una historia de amor en el que prima, más que cualquier otra cosa, la descripción psicológica y el desarrollo personal. Si le añadimos toda una serie de temas interesantes que enriquecen de manera colateral la historia tendremos un título que, al menos en su primer tomo, sorprende y agrada a partes iguales.



Reseña: Bloom Into You nº1 (Nakatani Nio)



Muchas historias de terror basan parte de su atractivo en la introducción de una leyenda urbana, como es el caso de Ibitsu: Retorcida. Si a esto le sumamos que el principal eje de la trama es la aparición de una lolita ensangrentada, harapienta y con tintes fantasmagóricos la cosa se pone más interesante. Y esto es lo que propone el autor Ryo Haruto con este manga para adultos para que pasemos un mal rato entre sus páginas.

El protagonista de esta historia es Kazuki, un joven que lleva una vida muy normal estudiando en la escuela técnica de diseño y que depende de su hermana pequeña Hikari para mantener limpia y ordenada su habitación. Pero esta tranquilidad solo dura como lo efímera que es esta premisa ya que no tendremos que esperar más que un par de páginas para ver como Kazuki se encuentra al bajar la basura con una siniestra lolita que le pregunta si echa en falta a una hermana. Responder que sí será el pistoletazo de salida para una obsesión sobrenatural que provoca que la lolita aceche y acose a Kazuki, aunque para ello tenga que engañar o matar a quien se interponga entre ella y su nuevo “hermanito”. La aparición de Hikari supondrá una espiral de celos por parte de la lolita para desesperación de Kazuki y verá como la vida de su auténtica hermana corre mucho peligro.

La impotencia de los personajes protagonistas en este manga de terror es una constante, lo que provoca en nosotros como lectores un sufrimiento mayor al ver como el “monstruo” de esta historia se recrea cruelmente en la vulnerabilidad de sus víctimas, consciente de su superioridad. El dibujo es tal vez el punto donde más flaquea el conjunto, con un estilo algo plano y que rehúye salvo excepciones de recrearse en la crudeza de mostrar imágenes o secuencias desagradables, más allá de una imagen sugerente o una viñeta que pueda hacer volar nuestra imaginación. El diseño de la lolita es bastante acertado aunque esa especie de autocensura que parece aplicarse Haruto no me ha terminado de funcionar como debería.

En la parte final del tomo tenemos un capítulo de las Historias de terror de Ibitsu, en concreto La habitación de los muñecos, que es un relato auto conclusivo donde veremos como cuatro estudiantes de secundaria se adentran en un antiguo almacén de maniquíes abandonado para vivir una auténtica pesadilla de nuevo rodeada de una atmósfera slasher muy acertada. El manejo de los tiempos e incluso el arte más perturbador juegan a favor de este relato que a un servidor le ha gustado más incluso que el primer volumen de Retorcida.

Ryo Haruto está todavía lejos de maestros del terror japonés tal vez por no tener un estilo propio tan definido como monstruos de este arte como ofrecen los mangas perturbadores Junji Ito o los excesos de Hideshi Hino, pero con este primer volumen de Retorcida ha dejado momentos realmente angustiosos sin necesidad de recurrir a la violencia más visceral y explícita, algo que sin duda solo realza su mérito.




Reseña: Ibitsu - Retorcida (Haruto Ryo)


La saga de videojuegos Persona está viviendo un momento dulce sin duda. Tras el exitoso lanzamiento de Persona 5 que ha aupado sus cotas de popularidad en occidente y el próximo lanzamiento de Persona 5 Royale, una versión con mejoras del juego lanzado en 2017 y Persona 5 Scramble, un musou basado en esta última entrega, la compañía Atlus demuestra que la franquicia está más viva que nunca.

Puede que muchos (me incluyo) miremos hacia atrás maldiciéndonos por no haber podido o querido probar en su momento los títulos anteriores y es que desde Persona 3, Atlus ha introducido en la serie un alma propia con grafismos, bandas sonoras, historias y personajes memorables. Parece un momento idílico para que aterrice en nuestro país el manga que adaptó entre los años 2007 y 2017 el juego Persona 3 y que llega a España ahora de la mano de ECC Ediciones.

Con dibujo y dirección a cargo de Shuji Sogabe y adaptando el guión de Yuichiro Tanaka, este manga viene a demostrar que adaptar un videojuego tan complejo como Persona 3 no solo es posible, si no que además puede hacerse bien y de manera fiel. Para aquellos lectores que no sean ajenos a la saga de videojuegos y no se hayan acercado nunca a este spin off de la franquicia Shin Megami Tensei, puede que el comienzo sea algo duro ya que nos encontramos ante un prólogo donde se nos mostrará al protagonista y su compañero luchando contra las sombras en un momento futuro.

Pero rápidamente la historia dará comienzo de manera muy similar al videojuego, con el protagonista Minato Arisato (se le bautiza así en el manga) llegando al instituto para comenzar un nuevo curso con sus desconocidos compañeros. Usando con mucha frecuencia un humor gamberro cuando sucede toda la parte social, con personajes caricaturizados a modo de garabatos en los márgenes de las viñetas como si de un cuaderno estudiantil se tratara. Pero cuidado, Persona 3 no es el típico seinen ambientado en la escuela secundaria donde los protagonistas se enfrentan a una horrible amenaza, aquí las formas y el fondo adquieren un papel capital y la profundidad de los personajes encierra muchos matices para ser apreciados por el lector.

En este primer volumen Minato andará algo perdido y confundido tras haber firmado el contrato que le atará a los Persona tal y como le confirmará Igor, personaje clásico de la franquicia que no podía dejar de aparecer en su Velvet Room. Minato descubrirá pronto una aterradora realidad y es que cada día existe una media hora oculta donde las “sombras” campan a sus anchas buscando víctimas mientras las personas normales se convierten en ataúdes ajenas a este limbo temporal.

Para hacerles frente, un grupo de personas formado por algunos de los estudiantes del instituto Gekkoukan tendrán que recurrir a los Persona, invocaciones de poderosos seres que son cuasi manifestaciones de sus propias esencias. En este volumen veremos como Minato invoca al propio Orpheus para luchar contra una de las sombras más grandes a las que se han enfrentado los héroes, para ello tendrá que usar una pistola para dispararse a su propia cabeza con lo que a través de este suicidio simulado, echar mano de su poder.

El dibujo del manga es algo caótico. Se echa en falta una apuesta más fuerte en la representación de enemigos a pesar de contar con un gran diseño de personajes y Personas a cargo del propio Sogabe, pero las secuencias de acción son confusas y poco claras y se hace un uso algo excesivo de desenfoques. Por otro lado el uso del punteado para el sombreado y los volúmenes en pelo y ropa es destacable y aporta vistosidad al dibujo. Además, ya hemos dicho antes que los característicos grafismos del juego son santo y seña del mismo y esto ha querido replicarse con el uso de tablas, gráficos, cartelería y distintos elementos visuales que han tendido un puente de plata entre manga y videojuego.

Este primer volumen de los once totales que abarcan la obra es un buen punto de partida para descubrir mejor una de las entregas más queridas de la franquicia Persona y además veremos como desde ECC se ha respetado la nomenclatura en francés de los capítulos y piezas originales que se mostraban en el juego. El Chapitre Un con sus 162 páginas puede ser vuestro por un precio de 7,95€.


Reseña: Persona 3 NÚM. 01 de 11 (Shuji Sogabe)



"Si me quisierais, os suicidaríais todos hoy" Spider Jerusalen.

En 1997 pudimos disfrutar en el cine de La princesa MononokeEl quinto elemento, o Starship Troopers, en la radio sonaba el Ok Computer de Radiohead, The Prodigy sacaba The Fat of the Land, y Garth Ennis escribía Transmetropolitan.

Transmetropolitan nos habla de un futuro a lo mejor no tan lejano, en el que se han logrado grandes avances en los campos de ciencia y la tecnología, pero en contra de lo que podíamos pensar, la sociedad se ha ido al garete con cada vez más corrupción, pobreza, desigualdad social, y enfrentamientos religiosos. De este "precioso" panorama quiso huir nuestro protagonista, el periodista Spider Jerusalen, pero eso fue hace cinco años, en el mejor momento de su carrera decidió retirarse a la montaña, pero su tiempo se acaba y debe cumplir un contrato ineludible. La única forma de hacerlo será volviendo a esa sociedad que tanto detesta y sobre la que un día (des)escribió con éxito, con un estilo periodístico que incomoda a la altas esferas, descubriendo las más sórdidas tramas de empresas, medios, políticos, y líderes religiosos.

Como protagonista absoluto tenemos a Spider Jerusalen, un tipo que para nada es un héroe, tampoco un villano, más bien un antihéroe aunque tampoco, ya que estamos ante un ser despreciable, con todos los vicios posibles y todos los adjetivos negativos que se nos ocurran, pero también tiene un objetivo "noble", que es el de sacar a la luz toda la mierda que rodea al poder, y a través de sus palabras y pensamientos conoceremos esta realidad. A Spider le acompañan sus dos ayudantes, Channon Yarrow, una tipa dura que hará las veces de guardaespaldas, e Yelena Rossini, ambas periodistas, que ayudaran a nuestro protagonista en sus aventuras e investigaciones, a la vez que forjarán una amistad entre ellas. Por último contamos con ese Editor "en la sombra" que es Mitchell Royce, el jefe de Spider.

Al guión tenemos como ya sabéis, a Warren Ellis, que se sale en este cómic. Es cojonudo como entiende el futuro como un fenómeno social, y no como viajes espaciales y otras locuras, que también las hay, o se intuyen, si no que construye una sociedad satírica y decadente que se encarga de apalizar pero a su vez cuidar hasta el más mínimo detalle. Todo lo que vemos en las páginas de Transmetropolitan es hasta cierto punto creíble, o por lo menos coherente. Las distintas razas, vehículos, religiones, fuerzas políticas, bares, barrios, armas, hasta comida y productos cosméticos, absolutamente todo está medido y pensando para que funciona como una máquina perfectamente engrasada de la que Ellis es el principal ingeniero. A todo esto hay que sumarle múltiples guiños, a obras de literatura, autores, cine, televisión, algunas más evidentes, otras menos, pero ahí están. Esta obra supone uno de los trabajos de Ellis más reputados y y la mejor representación de lo que es Warren Ellis en el mundo del cómic.

Ahora que está tan de moda la serie de Amazon, The Boys, a los lápices tenemos precisamente al dibujante de ese cómic, que no es otro que Darick Robertson, con un trabajo espectacular en el que destacan personajes bien definidos y de trazo grueso, mezclados con lo que pensamos que es la fuerte del autor, fondos plagados de detalles, basura, carteles, aparatos, ropa animales, las edificaciones, es realmente espectacular y te quedas embobado disfrutando de las viñetas en las que más se explaya el autor. También hay que destacar el uso anárquico que hace de las viñetas, mezclando todo tipo de tamaños, disposiciones, y sin ningún patrón aparente.

En definitiva, un cómic tremendo, que podrá cargar a algunos por su exceso de insultos, escatología y lenguaje provocativo, pero que es un sin lugar a dudas un cómics histórico, con un personaje icónico, y un futuro cyberpunk de lo más decadente y atractivo. Una crítica a la sociedad actual que no te debes perder. Transmetropolitan es un cómic que busca provocar y reivindicar, es periodismo de calle, es sucio, asfixiante, es honesto, es original, igual que Spider Jerusalén.

ECC Ediciones nos trae esta nueva edición de Transmetropolitan, en un tomo (de cinco) recopilatorio que contiene los 12 primeros números de la serie, en formato cartoné con 336 páginas a todo color, prólogo de Garth Ennis, bocetos de páginas, ilustraciones, portadas de autores como Frank Quitely o Moebius, y otros extras, y que tenéis disponible para compra aquí.



Reseña: Transmetropolitan LIBRO 1 de 5 (Warren Ellis y Darick Robertson)